КНИЖНЫЙ ФОНД
Фонд, посвящённый современному искусству, включает уникальные издания, переданные Российской государственной библиотеке для молодёжи от учебных заведений, галерей и музеев, занимающихся визуальной культурой XX—XXI вв. Эти книги охватывают как исследования искусства, так и актуальные тенденции, представляя вклад ведущих культурных институций России в развитие художественного знания.

На этой странице представлены организации и учреждения, передавшие литературу. Вы сможете узнать больше о каждой из них, ознакомиться с их деятельностью и направлениями работы.

00:00/01:00
Количество изданий в фонде: 1135
Родион Китаев. Аз-бу-ква-рь. [издание развивающего обучения для занятий взрослых с детьми дошкольного возраста (текст читают взрослые)] — 2024
«Азбукварь» художника Родиона Китаева вмещает в себя целую вселенную, полную причудливых образов, задач, игр и секретов, а еще населенную волшебными жителями: на страницах букваря можно встретить не только разнообразных птиц и животных, но и фантастических существ: волковорону, верблюдовулкана и жабожука! Фантазию Китаева, которая разыгрывается вокруг каждой буквы алфавита, можно сравнить с подходом сюрреалистов. В своем искусстве они также соединяли несовместимые, на первый взгляд, предметы и образы, обращались к глубинам подсознания и снам. Однако и в произведениях сюрреалистов, и в книге Родиона Китаева сквозь магические ребусы хитро проглядывает реальность, которая оказывается удивительнее самых необыкновенных историй и безумных сновидений. «Азбукварем» мы открываем новую серию в рамках детской издательской программы V—A—C Press, которая в будущем пополнится авторскими букварями в исполнении российских современных художников. Родион Китаев (р. 1984) — художник, иллюстратор. Работает в различных техниках. Окончил Московский академический художественный лицей при Российской академии художеств, Московский государственный университет печати имени Ивана Федорова. Работы Китаева хранятся в коллекциях в Австрии, Бразилии, Германии, Люксембурге, России, США, Турции и Франции.
Катя Емельянова. На ощупь. [издание приурочено к выставке 21 марта -14 апреля 2024] — 2024
Галерея «Триумф» представляет каталог к персональной выставке Зухры Салаховой «Гардероб». Основным материалом проекта стал текстиль: художница использует ткань и вышивку для создания миниатюрных работ и больших инсталляций, которые соединяются в общее повествование. Ткань оказывается общей материей, которая может принимать разные формы — живого и неживого, цельного и множественного, конкретного и неопределенного. В поэме Овидия «Метаморфозы», которая стала отправной точкой для создания проекта Салаховой, изменения описываются через трансформацию бытия и идентичности. Через мифологию, ментальные и физические изменения формы утверждается взаимосвязь человека и природы. Проходя различные трансформации, ничто существующее не исчезает, а только видоизменяется. По мнению Салаховой, такой взгляд на окружающий мир подчеркивает связь всех существ и предметов и оставляет место для удивительного и чудесного. В каждом зале экспозиции разворачивается отдельная история. Текстильная инсталляция «Муравейник» напоминает калейдоскоп: яркие сегменты, множество деталей, перетекающие друг в друга персонажи и ситуации. В другом зале в фигурах бегущих лошадей можно заметить небольшие силуэты людей в движении. Они показывают появление одной формы из другой как стремительный и неостановимый процесс. В следующем пространстве расположены кажущиеся абстрактными объекты, которые инкапсулируют потоки жизни.
Зухра Салахова. Гардероб. [издание приурочено к выставке 23 октября — 17 ноября 2024] — 2024
Галерея «Триумф» представляет каталог к персональной выставке Зухры Салаховой «Гардероб». Основным материалом проекта стал текстиль: художница использует ткань и вышивку для создания миниатюрных работ и больших инсталляций, которые соединяются в общее повествование. Ткань оказывается общей материей, которая может принимать разные формы — живого и неживого, цельного и множественного, конкретного и неопределенного. В поэме Овидия «Метаморфозы», которая стала отправной точкой для создания проекта Салаховой, изменения описываются через трансформацию бытия и идентичности. Через мифологию, ментальные и физические изменения формы утверждается взаимосвязь человека и природы. Проходя различные трансформации, ничто существующее не исчезает, а только видоизменяется. По мнению Салаховой, такой взгляд на окружающий мир подчеркивает связь всех существ и предметов и оставляет место для удивительного и чудесного. В каждом зале экспозиции разворачивается отдельная история. Текстильная инсталляция «Муравейник» напоминает калейдоскоп: яркие сегменты, множество деталей, перетекающие друг в друга персонажи и ситуации. В другом зале в фигурах бегущих лошадей можно заметить небольшие силуэты людей в движении. Они показывают появление одной формы из другой как стремительный и неостановимый процесс. В следующем пространстве расположены кажущиеся абстрактными объекты, которые инкапсулируют потоки жизни.
Брис Эссо. W.E. — World's End. [издание приурочено к выставке 21марта — 14 апреля 2024] — 2024
Галерея «Триумф» представляет каталог к персональной выставке Бриса Эссо W. E. — World—s End. В своих работах ивуарийский художник комбинирует классические техники эпохи Возрождения, методы, свойственные традиционной культуре Западной Африки, и современные технологии. Новый проект Эссо предлагает отказаться от жесткой иерархичности между произведением искусства и фигурой зрителя и сформировать неформальную среду для восприятия работ. Выставка в галерее «Триумф» объединяет цикл скульптурных и живописных работ, а пространство экспозиции подобно гигантской игровой комнате — так художник предлагает взглянуть на мир глазами ребенка, открыться новому и неизвестному, отказаться от машинального, излишне регламентированного взаимодействия с окружающей действительностью. «Во все времена люди использовали символы в своих традициях и ритуалах. Постепенно эти символы становились все более тонкими, сложными, нюансированными. Я же в своих работах стремлюсь вернуться к простоте выражения и легкому, игривому подходу к искусству», — говорит Брис Эссо. Скульптуры из бронзы он дополняет точечными мазками яркой акриловой краски, а одним из главных образов проекта становится улыбка как символ открытости к миру несмотря на его хаотичность и турбулентность. В своих художественных поисках Брис Эссо осмысляет историческую идентичность и колониальное наследие Африки. Опыт жизни в США и Европе позволяет ему интегрировать черты западной культуры во вселенную африканских мифов и обрядов, синтезируя историю, современность и персональный опыт. Проект W. E. — World—s End — попытка перестроить наши взаимоотношения с искусством, миром и самими собой.
Савва, Максим Савва. Лето в Леноласти. [каталог к выставке, 24 мая — 23 июня 2024] — 2024
Галерея «Триумф» представляет персональную выставку Максима Саввы «Лето в Ленобласти». Проект объединяет живописные работы и графику последних лет. Сюжеты работ Саввы очень личные, но знакомые и получающие отклик в каждом. Его герои кочуют из одного произведения в другое, формируя «вокруг» себя целые серии
Медерик Тюрей. Раскрытые видения. издание приурочено к выставке 28 июня — 4 августа 2024 — 2024
Галерея «Триумф» представляет каталог к персональной выставке Медерика Тюрея «Раскрытые видения». В основе творчества Медерика Тюрея лежит синтез современного искусства и традиционной культуры народов Африки. Главными темами его работ стали анализ культур африканского континента, соединение их традиционных компонентов с художественными практиками и влияние бэкграунда зрителя на восприятие искусства и артефактов африканских стран. В творчестве Медерика легко соединяются на первый взгляд парадоксальные противопоставления сакрального и профанного, чрезвычайного и повседневного, культурного и природного, наконец, рационального и мистического. Практика живописи сама по себе стала для Медерика ежедневным выверенным ритуалом. С этим связан и перформативный характер создания работ, в котором присутствует определенный регламент взаимодействия с холстом, и их количество, производимое за год. Важную роль Медерик отводит интуитивному художественному поиску, чувственному переживанию, идущему в согласии с моментом и эмоциональным состоянием, однако порядок работы над холстом строго определен. Процесс создания работы, таким образом, подчиняется определенному сценарию, ритму и внутреннему состоянию. В экспозиции представлены живописные и графические работы, посвященные художественно переосмысленным изображениям тотемов и масок мифологических героев. Они окружены различными символами, а их образы выглядят деформированными и состоят из множества наложенных друг на друга элементов. В пространстве выставки также показаны деревянные и металлические скульптуры в авторской технике. Эти «тотемные» работы Тюрея наполнены символизмом, проявляющим преемственность его творчества по отношению к родной культуре. Его герои сотканы по принципу коллажа: из различных материалов и из метафор, знаков и символов. Они соединяют множество областей реальности — физической и потусторонней, сверхъестественной, рукотворной и природной. Герои-тотемы могут показаться ужасающими и в то же время впечатляющими. «Это мой способ представить людей такими, какими я их вижу: злыми, счастливыми, эгоистичными, полными доброты, иногда озорными и так далее», — замечает художник. Задача зрителя — принять этих персонажей и включиться в игру по считыванию символов, отсылок и эмоциональному погружению.
Мишель Окпаре. Не хватает только тебя. издание приурочено к выставке 23 октября — 17 ноября 2024 — 2024
Галерея «Триумф» представляет каталог к персональной выставке Мишель Окпаре «Не хватает только тебя». Проект исследует человечность и то, как она проявляется в турбулентные времена. «Я все еще ищу, что значит человечность для каждого из нас. Все еще пытаюсь понять почему, где, когда и как мы стали такими, какие мы есть», — рассказывает Окпаре. Красочные работы художницы фиксируют хрупкость и силу человека, напоминая о важности близких связей, поддержке, заботе и сострадании. Они указывают на важность сообществ: построенные на прозрачности и доверии, эти группы объединяют носителей общих ценностей и могут образовать альтернативу сложной действительности. Художница изучает локальную культуру, затрагивая вопросы идентичности и разнообразия, и обращается к проблемам, связанным с психическим здоровьем и гендером в современном африканском обществе. Мишель находит вдохновение в личном опыте и общении — в ее работах отражена повседневная жизнь и ее эмоциональное проживание, а героями произведений становятся друзья, члены семьи художницы и она сама. В своих работах Окпаре использует материалы, связанные с ее детством: бумагу, акриловые краски и аппликации из выброшенных кружевных тканей. Для Мишель использование выброшенных остатков ткани и кружев приобретает особое значение: через искусство она возвращает их к жизни и напоминает о женском труде, который преимущественно эксплуатируется в производстве этих материалов. Мишель Окпаре выросла между Кот-д'Ивуаром и Нигерией, где получила образование в области искусства. Сегодня художница активно выставляется по всему миру — от Лос-Анджелеса до Кейптауна, Лагоса, Санкт-Петербурга и Парижа.
Сафронова Мария, Кузнецов Антон. Зона пчел. [издание приурочено к выставке Марии Сафроновой и Антона Кузнецова 19 сентября — 20 октября 2024] — 2024
Галерея «Триумф» представляет каталог к совместному проекту Марии Сафроновой и Антона Кузнецова «Зона пчел». Выставка включает в себя живописные и графические работы, а также инсталляции, которые будут показаны впервые. В мире существует около двадцати тысяч видов пчел, однако многие из них почти исчезли в последние десятилетия. Их вымирание опасно необратимыми последствиями — от исчезновения примерно трети продуктов питания и большого количества лекарств до сильного обеднения флоры без опыления. На выставке «Зона пчел» устройство жизни пчел рассматривается как образ современного общества: культурные и социальные модели человека находят прямую связь с миром этих насекомых. Кроме того, проект обращается к ближайшему будущему и предполагает его дистопические сценарии, связанные с непоправимыми экологическими изменениями. Эти линии переплетаются в работах Марии Сафроновой и Антона Кузнецова, которые отражают разные аспекты взаимодействия пчел и людей: тонкие связи, границы контакта и зависимость друг от друга. Мария Сафронова известна живописными работами, посвященными социальным институтам, через которые человек проходит на своем жизненном пути: детский сад, школа, больница, рабочее пространство. Ее серия «Улей» демонстрирует многочисленные параллели между сообществами пчел и людей, а сходства между ними обнаруживаются в различных структурах — от устройства домов до общественных институтов. На первый план выходит связь между человеком и природой, человеком и другими видами, а также взаимодействие людей друг с другом. В серии «Рефугиум» Антон Кузнецов поднимает вопрос взаимоотношений человека, технологий и природы. Устраняя проблемы при помощи разных устройств, человек протезирует природную среду, однако технологии зачастую порождают новые трудности. В живописных работах и инсталляциях Кузнецова отображается гипотетическое будущее, в котором люди вынуждены заменить пчел механизмами: над тающими ледниками летают дроны, место естественных ульев заменяют фабричные цеха, а поля превращаются в искусственные установки по выращиванию растений.
Акимова София. The last gala. издание приурочено к выставке Софии Акимовой 24 мая — 23 июня 2024 — 2024
Галерея «Триумф» представляет каталог к персональной выставке Софии Акимовой The Last Gala. В основе новой серии работ художницы лежит идея создания портрета современного общества и исследования его роли в жизни отдельного человека. Социум, способный принять в свои ряды или, наоборот, отвергнуть, при этом оказывается привилегированным по отношению к личности. Для сюжетов своих работ София выбирает сцены празднеств, приемов, вечеринок, балов и прочих увеселений из жизни высшего общества. Этот кажущийся вечным праздник происходит на излете человеческой эры: воздух над головами ничего не подозревающих господ и дам сгущается и наполняется ощущением тревоги и надвигающейся катастрофы. По мнению художницы, само понятие праздника и его внутреннее содержание поменялись за последние десятилетия: постепенно он трансформировался в площадку для нетворкинга, самопрезентации и создания контента. София Акимова, а вслед за ней и зритель, занимает позицию наблюдателя. Персонажи работ Акимовой — живая движущаяся масса, намеренно обезличенная и лишенная персональных характеристик. «Этот блестящий жужжащий рой хаотично движется внутри замкнутой системы, подчиняясь внутренней логике, а сталкиваясь с „другим“ идентифицирует его по принципу свой/чужой, используя определенный набор социальных маркеров», — говорит куратор выставки Полина Могилина. Наблюдая за раутом со стороны, зритель мечтает стать его частью. Однако при ближайшем рассмотрении желанный праздник оказывается подобен искусным, но все же синтетическим декорациям к фильму, финал которого уже известен.
МО+МА. Волшебная гора. [издание приурочено к выставке 21 ноября-15 декабря 2024] — 2024
Галерея «Триумф» представляет каталог к выставке калининградских художников МО+МА — Алексея и Олега Медведевых — «Волшебная гора». Они исследуют влияние технологий на самовосприятие человека и его ощущение реальности. Выставка образует герметичное пространство, где метафорически показаны процессы трансформации современной культуры. Название «Волшебная гора» отсылает к одноименному роману Томаса Манна, сюжет которого разворачивается в туберкулезном санатории высоко в альпийских горах, а персонажей объединяет пограничное состояние реальным и иллюзорным. Художники проецируют эту двойственность на современные процессы интеграции цифрового и физического. Цифровая среда в видеоинсталляциях Медведевых предстает своеобразным чистилищем, где абстрактные объекты находятся в постоянном симбиозе. Оно представляется, с одной стороны, местом, где совершается смысловая деконструкция, а с другой — полем, где начинают формироваться новые мысли, идеи и убеждения, вновь обретающие физическую визуальную форму. Один из ключевых элементов выставки и творческих поисков братьев Медведевых — экран хромакея. По своему предназначению он создается, чтобы быть исключенным: его присутствие в физической реальности приносится в жертву реальности цифровой, однако без подобной деконструкции существование хромакея теряет ценность. Этот элемент служит основной метафорой проекта «Волшебная гора», суть которой сводится к представлению о человеке как о носителе той или иной культурной и идеологической репрезентации.
Хеммингс Д., Ирис ван Херпен: переосмысляя моду — 2024 (Ателье)
Книга посвящена нидерландскому модельеру Ирис ван Херпен, чье творчество существует на стыке моды, архитектуры и естественных наук. Британская писательница и профессор Джессика Хеммингс с самого начала отмечает ключевую черту ван Херпен, называя ее «скорее художницей», чем дизайнером. Исследование Хеммингс состоит из трех частей, каждая из которых раскрывает основные методы и особенности работы Ирис ван Херпен: «Тело», «Инструменты» и «Сотрудничество». Глава «Тело» — о взаимодействии человека и костюма. Важной частью профессиональных решений Ирис ван Херпен стал ее личный опыт — так, занятия балетом в детстве раздвинули представление модельера о формах движения и восприятии пространства. В главе «Инструменты» Хеммингс разбирает традиционный и инновационный подходы Ирис ван Херпен к созданию костюмов. Сочетая ручное шитье и 3D-печать, дизайнер преодолевает устойчивое представление о том, что ремесло и техника противопоставлены друг другу. Источником вдохновения ван Херпен становится природа: при создании орнаментов модельер присматривается к окружающему миру на макро- и микроуровнях. В заключительной главе «Сотрудничество» автор обращается к творческим альянсам Ирис ван Херпен в самом широком контексте — от взаимодействия и поиска общего языка с коллегами из мира моды до выхода в другие области искусства и знания: скульптуру, музыку, архитектуру и науку.
Лебедев, Ростислав Лебедев. Жесткие склейки. работы 1970−2020-х. [каталог выставки, 9 ноября 2023 — 29 января 2024 — 2024
Каталог выпущен к выставке Ростислава Лебедева «Жесткие склейки», которая проходила в ММОМА с 9 ноября 2023 по 28 января 2024. Название проекта отсылало к художественному методу Лебедева. В отличие от многих авторов, использующих едва заметный, скрытый «монтаж» готовых образов, он предпочитает острый диссонанс изображений, резкий переход от одного знака к другому. Именно такие «жесткие склейки» способны, по мнению художника, высечь новые, свежие смыслы из простого факта встречи двух общеизвестных образов. Более 100 произведений автора были представлены в 9 залах, каждый из которых был обращен к определенному художественному средству Лебедева. В издании репродуцирован широкий круг произведений художника, в том числе не вошедшие в экспозицию работы. Изображения сопровождают тексты Андрея Ерофеева, последовательно раскрывающие каждый из 9 художественных средств Ростислава Лебедева.
Андерсен Г. Х., Дюймовочка. [сказка. для дошкольного и младшего школьного возраста] — 2024 (Сказочная серия. редактор: Дарья Атлас)
Переиздание сказки Андерсена в новом оформлении художника Алексея Булдакова. «Дюймовочка» — одна из первых сказок, написанных Андерсеном. Спустя почти двести лет Алексей Булдаков обнаружил в ней много сюжетов, созвучных его творчеству и современности в целом. Сказка о маленькой девочке, родившейся в бутоне цветка и путешествующей по разным мирам, в интерпретации художника становится историей о взаимодействии видов: зверей, птиц, насекомых, растений и людей. Булдаков с особым вниманием изображает персонажей книги, словно для пособия по природоведению или ботанического альбома, и с исследовательским интересом прорисовывает деревенскую ласточку и майского жука, крота-звездоноса и жабу, пестрые тюльпаны и кувшинки. Алексей Булдаков (р. 1980) — художник и антрополог. Участник проекта «Школа современного искусства» Авдея Тер-Оганьяна, группы «Общество Радек» (2002—2005) и объединения «Лаборатория городской фауны». Иллюстрации созданы в авторской «мокрой технике»: эксперименты с акварелью и тушью на влажной кальке создали непредсказуемые художественные эффекты, как в настоящей волшебной сказке. По ходу повествования читатель может заметить, что Дюймовочка почти не говорит, не описаны ее ощущения и мысли. Поэтому некоторые фрагменты в книге мы решили выделить цветом — на них можно остановиться и подумать: правильно ли то, что происходит, не лишают ли Дюймовочку возможности выбора, хорошо ли к ней относятся герои? «Дюймовочка» Х. К. Андерсена входит в сказочную серию V—A—C Press. Проект обращается к традиции советской иллюстрации, представители которой не просто оформляли книги для детей, но и играли ключевую роль в становлении искусства своего времени.
Хелки, Ева Хелки —о феврале навзрыд. [издание приурочено к выставке Евы Хелки «…о феврале навзрыд», 15 февраля — 17 марта 2024 — 2024
Галерея «Триумф» представляет персональную выставку Евы Хелки «— о феврале навзрыд». Название проекта отсылает к строкам из стихотворения Бориса Пастернака «Февраль. Достать чернил и плакать!..». В центре нового проекта художницы оказываются размышления о свойствах памяти
Грей К., Русский эксперимент в искусстве, 1863−1922 — 2024
Книга Камиллы Грей «Русский эксперимент в искусстве» вышла в Великобритании в 1962 году и стала первым всесторонним исследованием, посвященным русскому авангарду. Для целого поколения западных и советских искусствоведов и историков она оказалась откровением: получить доступ к материалам и работам авангардных художников долгое время было практически невозможно, ведь единственно верным направлением в искусстве советская власть считала соцреализм. В последующие годы было предпринято несколько попыток опубликовать эту книгу на русском языке, однако ни одна из них по разным причинам не увенчалась успехом. Сегодня ее издание в русском переводе Ольги Демидовой приобретает иное значение: не столько академическое — ведь за несколько десятилетий изучение русского авангарда сильно продвинулось вперед, — сколько историческое. Камилла Грей совершила смелую попытку подступиться к анализу важнейшего периода в искусстве XX века, не имея перед собой ни фундаментальных исследований, на которые можно опереться, ни открытых архивов, ни произведений художников. Несмотря на отдельные фактологические неточности, ее работа предлагает целостную характеристику авангардного движения и обозначает его вклад в мировое искусство, а вместе с тем служит важнейшим свидетельством эпохи. По «Русскому эксперименту в искусстве» можно судить и о состоянии науки о русском авангарде в 1962 году, и о сложностях работы иностранного исследователя в СССР. В искусстве передвижников и художников Абрамцевского кружка Грей обнаруживает истоки русского авангарда, а затем прослеживает его развитие до середины 1920-х годов. Она уделяет особенное внимание Михаилу Ларионову, Казимиру Малевичу и Владимиру Татлину, рассматривает футуристическое движение и художественную жизнь первых послереволюционных лет. Со свойственным молодым исследователям энтузиазмом Грей, которой на момент выхода книги не было и тридцати, увлекательно описывает многочисленные течения в русском искусстве начала XX века и показывает, как художественная культура в этот период адаптировалась к бесконечным общественным преобразованиям.
Якутское кино. Путь самоопределения — 2024 (Гараж.txt. 19)
Первая книга о якутском кино, в которую вошли интервью с действующими лицами якутского кинематографа — режиссерами, сценаристами, кураторами, а также работы исследователей культуры Республики Саха (Якутия). В сборнике, составленном режиссером-документалистом Владимиром Кочаряном, рассказано об истоках возникновения якутского кино, пути его развития и том влиянии, которое оно оказало на национальное самоопределение якутов.
Боков А. В., «Параллельная архитектура» оттепели и застоя. визионеры последнего советского тридцатилетия — 2024
Книга Андрея Бокова посвящена малоизвестной, неформальной проектной и интеллектуальной деятельности советских архитекторов 1960—1980-х годов. «Параллельная архитектура» была результатом персональной и групповой активности архитекторов, не находивших себя в системе больших проектных институтов и типового проектирования. Содержанием параллельной архитектуры были картины будущего, авторские, персональные ответы на вызовы времени, новые образы и смыслы, спустя годы ставшие популярными и общепринятыми. В книге рассказывается о героях параллельной архитектуры, о формах их деятельности, участии в конкурсах, работе на семинарах «Сенежской студии» и «Интердизайна», о ставших событиями дипломных проектах, о проектах Города будущего и детских архитектурных студиях. Говорится о взглядах и открытиях архитекторов, увлекшихся наукой и теорией; о тех, кто занялся художественным проектированием и индустриальным дизайном, но не переставал ощущать себя архитектором
Селиванова А., Меер Айзенштадт. Органика, архаика, модернизм — 2024 (Лаборатория изучения советского искусства Центра авангарда (ЛИСИ_ЦА). кн. 1)
Книга посвящена наследию скульптора Меера Айзенштадта (1895—1961), выпускника скульптурного факультета ВХУТЕИНа и автора оригинальных скульптурно-архитектурных монументальных проектов. Издание, адресованное как специалистам, так и широкому кругу читателей, создано по мотивам выставки «Меер Айзенштадт. К теме синтеза 1930-х», прошедшей в 2019 году в галерее «На Шаболовке» (куратор — Александра Селиванова), и включает статьи Александры Селивановой, Надежды Плунгян и Александры Шатских, а также воспоминания современников скульптора и интервью с художницей Женей Ржезниковой о том, как метод Айзенштадта соотносится с современным искусством. Большинство материалов публикуются впервые: авторы-составители вводят в научный оборот большой корпус ранее неизвестных скульптурных произведений, а также рисунков скульптора, которые представлены как одна из основ его художественного метода. Осмысляя эволюцию стиля Айзенштадта с 1920-х по 1950-е годы, издание освещает наследие мастера как цельный и значимый элемент в истории советского искусства первой половины XX века. Книга — первая часть серии «Лаборатория изучения советского искусства Центра авангарда (ЛИСИ_ЦА)», запущенной Музеем современной культуры «Гараж». Серия призвана собрать и представить итог более чем десятилетней работы Центра. Каждая из книг посвящена одной из выставок и включает корпус научных статей, исторических текстов и архивных документов, произведений искусства, а также фотографий экспозиции
Муромцева О., Мир искусства Надежды Добычиной — 2024 (Человек в авангарде)
Надежда Добычина (18 841 950) галеристка, куратор, музейный работник, коллекционер. Добычина играла важную роль в культурной среде дореволюционной и советской России, она продолжала свою деятельность в период войн и революций, олицетворяя собой «дней связующую нить», которая так важна для понимания истории искусства первой половины ХХ века. Благодаря материалам из архива Добычиной автор книги искусствовед Ольга Муромцева восстановила хронику жизни галеристки и малоизвестные события художественной жизни России XX века. В книге впервые публикуются фрагменты дневников, писем и воспоминаний Добычиной о Николае Кульбине, Александре Бенуа, Игоре Грабаре и размышления о мастерах соцреализма. Издание проиллюстрировано работами художников, представленных на выставках Добычиной и входивших в ее собрание, архивными фотографиями и портретами современников
Слесарь Е. А., Советский праздник: театрализация мифа. монография — 2024
Современный ностальгический дискурс объясняется в том числе жизнестойкостью советского мифа, который был во многом сформирован массовыми празднествами. Настоящая книга посвящена советским зрелищным практикам, которые впитали и художественные достижения театрального авангарда, и эстетику монументального искусства 1940—1950-х годов. Предметом изучения стали стратегии создания советского мифа и его театральная репрезентация. События книги сосредоточены на торжествах 1967 года, посвященных празднованию 50-летия Октябрьской революции, и предшествующих юбилею годах подготовки